Klangkartierung des Seelithographieprozesses
Busan/Südkorea, 2025
Das Video dokumentiert meine Bewegung im Raum und fängt den Kontakt mit der Wasseroberfläche ein. Zwei Wochen lang durchstreifte ich die Hafenstadt Busan in Südkorea und erkundete ihre vielfältigen Wasserwege. Dabei zeichnete ich meine Bewegungen mithilfe von GPS-Koordinaten auf und erstellte eine Karte, um über diesen Prozess und seine Auswirkungen auf meine Raumwahrnehmung zu reflektieren.
Die Arbeit warf neue Fragen zu den Verbindungen zwischen verschiedenen Gewässern und den Beziehungen zwischen Bächen und Meer auf. Die Beobachtung des Wassers regte mich dazu an, über den Stofffluss auf seiner Oberfläche nachzudenken und Fragen der ökologischen Verantwortung, der Nachhaltigkeit und des sorgsamen Umgangs damit zu erörtern.
Die Nachzeichnung dieser Kartierung mittels Klangkomposition und GPS-Track-Animation versucht, sich dem Experiment durch eine reflexive Linse zu nähern und die Bewegung durch Raum und Zeit zu erfassen.
Carolin Müller & Berenika Schneider
Body.Motion.Etch entfaltet sich als taktiler Dialog zwischen der Tänzerin Berenika Shneider und der Künstlerin Carolin Müller auf einer mobilen Bühne aus 700 handgefertigten, recycelten Aluminiumdosen, die in ganz Jerusalem gesammelt wurden. Der Körper bewegt sich hier zwischen Momenten des Fortschritts und des Rückzugs, des Vertrauens und der Anspannung, während die Bühne selbst zu einer lebendigen Oberfläche wird, die Klänge und Bewegungsspuren aufnimmt. Das Stück entstand in den Art Cube Artists' Studios in Jerusalem in Zusammenarbeit mit dem Goethe-Institut Israel und wurde von Lee He Shulov kuratiert.
Das Stück wurde am 19. August 2025 im Rahmen des SHIFT Festivals von Feel Beit in Jerusalem aufgeführt.
Voyage to Blue (2025)
Wenn da nur das Geräusch von Wasser wäre
Nicht die Zikade
Und das trockene Gras singt
Aber das Geräusch von Wasser, das über einen Felsen rauscht
Wo die Einsiedlerdrossel in den Kiefern singt
Tropf, tropf ...
Aber es gibt kein Wasser.
(TSEliot, Das wüste Land, 1922)
Wenn kein Wasser da ist, bleibt nur noch das übrig, was verschwunden ist (?).
Die erste blaue Reise führte uns ins Mittelmeer, an die Küste von Tel Aviv. Ölreste schwimmen auf dem Wasser. Das Wasser hält fest, was nicht dazugehört. Die Dosen werden flachgedrückt, geschliffen und dann zusammengebunden, um eine aufnehmende Oberfläche zu bilden. Indem man sie so hält, dass sie nur die Wasseroberfläche berühren, nehmen die Dosen Rückstände auf: Öl, Fett, Sonnencreme. Mit bloßem Auge ist nichts zu sehen.
Im Studio aktivieren wir die Meereslithografie mit Talkum, Zitronensäure und einer Gummiarabikum-Lösung. Durch das Einfärben wird das Material sichtbar, das auf dem Wasser schwimmt.
Gedruckt und neu angeordnet, findet das Meer auf dem Papier wieder zusammen. Das Fett hatte die Wellen eingefangen; die Bewegung ist im Öl gefangen.
Zurück an Land, bildet sich aus dem Papier eine Pfütze; und wir beobachten die Wellen am Sand.
body.motion.etch (2025), Artists Studios/Art Cube, Jerusalem (Einzelausstellung)
body.motion.etch erforscht eine verkörperte Auseinandersetzung mit Sexualität jenseits heteronormativer Sprache. Das Werk dringt durch lithografische Performance und akustische Forschung zum Wesen des körperlichen Ausdrucks vor und untersucht die Spuren, Abdrücke und Rückstände, die Körper hinterlassen. In diesem Projekt ist der Körper nicht nur Gegenstand – er wird selbst zum Zeichenwerkzeug, wodurch die traditionellen Grenzen der Lithografie bewusst überschritten werden.
In der Lithografie vermeiden Künstler üblicherweise sorgfältig den Kontakt mit der Druckplatte, um sie vor versehentlichen Spuren durch Öl oder Schweiß zu schützen. Hier jedoch werden diese „Zufälle“ selbst zum Medium. Mit in lipophile Materialien verwandelten Aluminiumdosen bedeckte die Künstlerin eine Bühne, die für performative Interaktion und Tanz konzipiert ist. Entkleidet von der Industriebeschichtung, wird die Dosenoberfläche zu einem intimen Untergrund, der die Nuancen der Berührung einfängt. Mikrofone im Inneren der Bühne zeichnen ihre Klangdimension auf. Geräusche wie das Gleiten von Öl oder das Tropfen von Schweiß verschmelzen zu einer vielschichtigen Klanglandschaft, einem Hauch von Körper, der auf Metall trifft und einen sinnlichen und verletzlichen Dialog mit sich selbst und anderen markiert.
Jeder Eindruck verkörpert die Resonanz und Dissonanz der Identitäten und Erfahrungen der Teilnehmenden; die Spuren und Klänge illustrieren eine körperliche Erzählung, die sich der herkömmlichen Sprache entzieht. Die Sammlung dieser Gespräche bildet ein Archiv multisensorischen Austauschs. Die Ausstellung lädt die Betrachtenden ein, einen Moment verkörperter Kommunikation mitzuerleben – ein Gespräch, das nicht gesprochen, sondern direkt vom Körper in Metall eingraviert wird und so einen unmittelbaren, haptischen Ausdruck schafft, der multisensorisch erfahrbar ist.
Die Künstlerin widmet sich nachhaltigen Drucktechniken und betrachtet die Qualität von Alltagsmaterialien, deren Eigenschaften den explorativen Bedürfnissen dieses Projekts gerecht werden können. Sie hofft außerdem, neue Wege der Anwendung traditioneller Techniken wie der Lithografie zu inspirieren und neue Möglichkeiten zu schaffen, diese in kommunikative Sichtweisen auf die menschliche Interaktion zu verwandeln.
body.motion.etch ist ein kreatives Manifest – verwurzelt in Transformation, Verbindung und Achtsamkeit. Durch die Wiederverwendung alltäglicher Materialien wie Aluminiumdosen zu Lithografieplatten lädt das Projekt dazu ein, Abfall als Chance neu zu betrachten, in der Einfallsreichtum sowohl Medium als auch Botschaft wird. Die Vergänglichkeit dieser Materialien spiegelt die Unbeständigkeit unserer eigenen Spuren wider und mahnt zu einem tieferen Bewusstsein für unseren Umgang mit der Umwelt.
Gleichzeitig regt die Auseinandersetzung des Werks mit körperlichem Ausdruck und Transformation zu einer differenzierten Geschlechterdiskussion an. Es entstand in Zusammenarbeit mit verschiedenen Künstlerinnen in Jerusalem und stellt traditionelle Hierarchien in der Kunst hinterfragt, indem es den Körper nicht als passives Subjekt, sondern als aktives, expressives Werkzeug positioniert. Das Einprägen der Körperspuren in das Material selbst kann als Metapher dafür verstanden werden, wie Geschlecht nicht nur performativ, sondern auch tief in Körperlichkeit und Materialität verwurzelt ist.
Durch Workshops und Performances schafft dieses Werk einen gemeinsamen Raum für Dialog – einen Ort, an dem Körper, Identitäten und Gemeinschaften aufeinandertreffen. Jeder Druck und jede Geste wird zu einem bedeutungsvollen Faden in einer größeren Erzählung und verwebt Stimmen und Geschichten zu einem gemeinsamen künstlerischen Dialog.
Die Performance auf dem Dach beinhaltete einen Auftritt von Berenika Shneider, die seit zwei Monaten mit Carolin Müller zusammenarbeitet, um die Möglichkeiten der bedruckbaren Bühne mithilfe ortsspezifischer Tanzkunst zu erforschen. Die Kollaboration wurde von einem musikalischen Beitrag von Grigory Lomize begleitet.
Diese Performance fand statt, nachdem die Struktur über einen längeren Zeitraum genutzt worden war, was ihr einen einzigartigen, zeitlich begrenzten Charakter verlieh. Zu diesem Zeitpunkt hatten die Materialien – insbesondere die aus weggeworfenen Dosen hergestellten Aluminiumplatten – vielfältige Interaktionen erfahren und Spuren der Körper verschiedener Performer hinterlassen.
Die Performance verdeutlichte auch den unaufhaltsamen Verfall der Struktur, da das Material, das bereits wochenlang bearbeitet worden war, erste Abnutzungserscheinungen zeigte. Dies verlieh der Performance eine zusätzliche Spannung und Zerbrechlichkeit, denn das Publikum wurde Zeuge nicht nur des Schöpfungsaktes, sondern auch des Zerfalls des Materials selbst, wodurch die zyklische Natur von Transformation und Verfall unterstrichen wurde.
Fotocredit: Dafna Englander
Der Körper als multisensorische Begegnung (2025), Künstlerateliers/Art Cube, Jerusalem
Die Performance ist eine Zusammenarbeit zwischen Carolin Müller und Studierenden der Jerusalem Academy of Music and Dance: Movement Focus (Klasse von Ilanit Tadmor), um über die Vermittlung des Körpers als multisensorische Begegnung auf einer Bühne nachzudenken, die eine druckbare Matrix darstellt.
Tanzstudierende entwickelten eine choreografische Antwort auf das in der Ausstellung präsentierte gedruckte Archiv. Diese Performance wurde zu einer Auseinandersetzung damit, wie gedruckte Bewegungen, die einst aus weggeworfenen Materialien entstanden, sich verändern und zersetzen können, und bot damit eine einzigartige Gelegenheit, über Nachhaltigkeit und den Lebenszyklus von Objekten nachzudenken.
Indem das Publikum diesen Prozess miterlebte, setzte es sich mit der Kunst nicht nur als Schöpfung auseinander, sondern auch als etwas, das sich aktiv verändert, verfällt und neu definiert wird, wodurch die Themen der Vergänglichkeit und der Spannung zwischen Schöpfung und Zerstörung verstärkt wurden.
Die Aufführung wurde durch ein Projektstipendium des Goethe-Instituts Israel unterstützt.
Fotocredit: Philipp Riedel
Stadtansicht, 2024
Dieser Druck ist Teil einer Serie, die verschiedene Stadtansichten untersucht, indem sie die Wege und Strukturen in den Fokus rückt, die das Stadtbild prägen. Die gravierte Zeichnung nutzt sich wiederholende Muster, um Verbindungen und Trennungen zwischen verschiedenen Stadtteilen zu erforschen. Das Werk wirft Fragen zur Nachhaltigkeit im urbanen Leben auf, indem es Alltagsmaterialien als Druckmaterial verwendet. Die Collageplatte besteht aus 36 Milchkartons, deren Textur architektonische Elemente nachahmt. Die Kombination des zuvor weggeworfenen Materials zu großformatigen Tafeln eröffnet neue Perspektiven auf die Winkel und Nischen des urbanen Raums. Ich arbeite mit den Ecken und Kanten, die die Materialien in die Zeichnung einbringen, und erforsche, welche Ideen und Geschichten darin verborgen liegen. Mehrplatten-Collage auf Milchkartons, schwarz gedruckt auf Hahnemühle-Papier, 121 cm x 128 cm
Stadtansicht Nr. 3
Dieser mehrteilige Druck setzt sich mit dem Blick aus den Fenstern meines Ateliers auseinander, von wo aus ich auf den südlichen Teil Jerusalems blicke, wo das palästinensische Viertel Beit Safafa an die israelische Siedlung Giva HaMatos grenzt. Der Druck kombiniert in diesem Viertel gekaufte und gesammelte Materialien, um die Verflechtung der Lebenswelten sowie die Verbindungen und Trennungen zu reflektieren, die in Architektur, Landschaft und Atmosphäre sichtbar werden. Die Details sind in Milchkartons geschnitzt, die von anderen Künstlern ins Atelier gebracht wurden. Beim Schnitzen und Drucken erforschte ich die Nischen und Beziehungen zwischen Menschen und Ort, das Material und seine Spiegelungen. Die sechs bedruckten Tafeln sind zu einer großformatigen Darstellung des Prozesses und des Ergebnisses dieser Auseinandersetzung zusammengefügt und laden den Betrachter ein, die in den Straßen verborgenen Geschichten zu entdecken. Plattenmaterialien: 40 Kartons, Packband, Kreppband, Gewebeband, Isolierband, Klebstoff. Papier: Fabriano Rosaspina, 220 g, warme schwarze Tinte. Größe: 147 cm x 138 cm
Installierte Platten zweier Collagraphien aus 80 Milchkartons und Klebeband in der Einzelausstellung „Sustainable Printmaking: Dialogues Between Material and Tradition“ in der Hansen House Gallery, Jerusalem (2025)
Zur Ausstellung gehörte ein Gemeinschaftsarbeitstisch, an dem man die Technik ausprobieren und die Ergebnisse an der Galeriewand präsentieren konnte.
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